Space ISU

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James Turrell
Pelée, 2014

Wide glass 218 × 405 × 50 cm
© James Turrell, Courtesy Pace Gallery Photo by Florian Holzherr

‘빛의 마술사’라 불리는 미국 출신 작가 제임스 터렐(James Turrell, b. 1943)은 빛을 작업의 재료(material)로 가져와 관객이 빛의 물질성 (materiality)을 체험할 수 있는 숭고미의 공간을 창조해낸다. 그의 2014년 작 펠리(Pelée)는 색이 천천히 바뀌도록 프로그래밍 된 LED 패널들이 와이드 스크린에 투사되는 형식의 ‘와이드 글래스’ 연작에 속하는 작품으로, 2시간 30분 동안 100개의 화면을 보여준다. 100가지 색의 빛은 완전히 어두운 공간을 차례대로 부드럽게 가득 채우며 관객의 몸과 감각뿐 아니라 생각과 마음까지 압도한다. 1960년대부터 빛, 공간, 시간의 지각(perception)에 관심을 두고 주로 장소 특정적 설치 작업을 해온 터렐의 작품은 관객의 직접 체험을 근본으로 하며, 제4차산업혁명을 이야기하는 21세기 현재 그 어떤 기술로도 재현하거나 대체할 수 없는 경험을 선사한다.

James Turrell
Pelée, 2014< Wide glass 218 × 405 × 50 cm
© James Turrell, Courtesy Pace Gallery Photo by Florian Holzherr ‘빛의 마술사’라 불리는 미국 출신 작가 제임스 터렐(James Turrell, b. 1943)은 빛을 작업의 재료(material)로 가져와 관객이 빛의 물질성 (materiality)을 체험할 수 있는 숭고미의 공간을 창조해낸다. 그의 2014년 작 펠리(Pelée)는 색이 천천히 바뀌도록 프로그래밍 된 LED 패널들이 와이드 스크린에 투사되는 형식의 ‘와이드 글래스’ 연작에 속하는 작품으로, 2시간 30분 동안 100개의 화면을 보여준다. 100가지 색의 빛은 완전히 어두운 공간을 차례대로 부드럽게 가득 채우며 관객의 몸과 감각뿐 아니라 생각과 마음까지 압도한다. 1960년대부터 빛, 공간, 시간의 지각(perception)에 관심을 두고 주로 장소 특정적 설치 작업을 해온 터렐의 작품은 관객의 직접 체험을 근본으로 하며, 제4차산업혁명을 이야기하는 21세기 현재 그 어떤 기술로도 재현하거나 대체할 수 없는 경험을 선사한다.
Mary Corse
Untitled (Black Light Painting), 1975 Acrylic squares, glass microspheres, and acrylic on canvas, 274.3 × 274.3 cm
Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong, and Seoul Photo by Matthew Herrmann 터렐과 함께 1960년대 중반 캘리포니아에서 ‘빛과 공간 운동(Light and Space Movement)’을 통해 두드러진 활동을 시작한 메리 코스(Mary Corse, b. 1945)는 이후 조각이나 설치 작업을 이어나간 동료—주로 남성—작가들과는 행보를 달리하며 빛과 미니멀리즘에 대한 관심을 회화(painting) 작업을 통해 접근해왔다. 다양한 재료를 실험하던 그는 고속도로 표지판이나 차선을 그리는 데 쓰이는 반짝이는 공업재료 글래스마이크로스피어(glass microspheres)를 이용함으로써 끊임없이 변화하는 표면의 평면적 추상 세계를 이룰 수 있었다. 흑백의 추상 도형 위에 올려진 아크릴 조각들은 전시공간의 조명뿐 아니라 관객의 그림자에 시시각각 반응하며 작가의 필법과 화필의 생동감, 흰색과 검은색의 수백 가지 명도와 질감을 드러낸다. 카메라로는 절대 담을 수 없는 회화 작품의 물성과 현장감을 보여준다.
Angela Bulloch
RGB Spheres III, 2005 17 polycarbonate spheres, lamps, lampholders, DMX-controller, dimming mechanisms 300 × 300 × 50 cm
Installation view at Gallery SUN contemporary, Platform Seoul 2008, I have nothing to say and I am saying It, 2008
©Angela Bulloch Photo by Myoung-Rae Park 베를린을 기반으로 활동하는 캐나다 출신 작가 안젤라 블로흐(Angela Bulloch, b. 1966)는 빛, 색, 소리, 움직임, 규칙, 체계 등 다양한 원리에 대한 관심을 바탕으로 90년대 초반부터 인터렉티브한 멀티미디어 설치 작업을 해왔다. 그가 2000년대 중반 발표한 ‘RGB 구(RGB Spheres)’ 연작 중 하나인 RGB 구 III은 빛의 삼원색 빨강 초록 파랑 색 조명이 들어오는 구 모양 램프들이 배치된 흰 벽으로 구성된다. 다양한 크기의 램프들의 빛이 각기 다른 속도로 어두워졌다 밝아졌다를 반복하며 ‘빛’과 ‘색’과 ‘형태’의 은은한 협주를 펼친다. 램프의 배치는 옵아트(Op Art)를 대표하는 작가 브리짓 라일리(Bridget Riley)가 흰색 바탕에 검정색 원들을 그린 흰색 원반들(White Disks) I의 화면구성에서 따온 것이라고 하는데, 이것은 어쩌면 우리에게 그리 중요한 정보는 아니다. 단순하고 반복적인 형태와 색채가 만나 빛의 변주를 만들어내는 광경은, 언어나 지성으로는 이해하거나 표현하기 어렵고 오로지 직접 ‘체험’을 통해서만 보고 느끼고 알 수 있는 것이기 때문이다.
Jorge Pardo
Untitled, 2002 Lamp installation; PVC, lightbulbs, electricity Dimensions variable 쿠바 출신의 호르헤 파르도(Jorge Pardo, b. 1963)는 그가 미국에 살던 90년대에 로스앤젤레스현대미술관(LA MoCA)에서의 전시를 위한 출품을 의뢰 받고는, 5년에 걸쳐 직접 디자인한—조경과 인테리어까지 모두 직접 디자인한—집 한 채를 지어 전시하면서 주목을 받기 시작했다. 현재 멕시코에 살면서 회화와 디자인, 조각과 건축 등 여러 영역을 가로지르며 그 경계들에 대한 질문을 던지는 작업을 하고 있다. 일상의 물건을 작품으로 변모시키거나 여러가지 실용적 기능을 가진 오브제를 디자인하는 그의 작업을, 우리는 우리의 제한된 언어적 표현으로 묘사하기는 어렵다. 7개의 램프로 구성된 무제(Untitled)를 우선은 ‘실지로 실내 조명으로 사용될 수 있는 조각품’이라고 해두자. 이 작품은 파르도 특유의 복잡하면서도 유쾌한 디자인을 보여주며, 담론의 영역 이전에 존재하는 ‘보는 즐거움’의 중요성을 가리킨다.
Tobias Rehberger
The Postman Always Rings Twice-Sleeping Room Cabinet, 2004 MDF, acryl, wooden panel, television, DVD-player, DVD 241 × 160 × 67 cm 독일 작가 토비아스 레베르거(Tobias Rehberger, b. 1966)는 조각가로 활동을 시작한 후 예술의 역할과 경계를 탐구하며 미술, 디자인, 설치, 건축 등 여러 영역을 가로지르고 아우르는 다방면적이고 다채로운 작업을 하고 있다. 개념미술에 기반을 둔 예측불허의 감각적인 디자인으로 잘 알려진 그는 2009년 베니스비엔날레에서 카페 공간 디자인으로 황금사자상을 수상하기도 했다. 레베르거 작업의 현란한 패턴과 화려한 색상 속에는 항상 진지한 방식과 시적인 내용이 담겨져 있는데, 이 특징은 Sleeping Room Cabinet 연작에서도 잘 드러난다. 그가 디자인한 컬러풀한 옷장 안에는 각기 디빅스 플레이어가 넣어져 있고 ‘헤어짐’을 주제로 한 영화들이 재생되고 있다. 우리는 이 영화들의 영상을 볼 수도 소리를 들을 수도 없고, 옷장 문틈 사이로 미세하게 삐져나오는 ‘빛’만 볼 수 있을 뿐이다. 너무 쉽게 읽혀버리는 것들은 쉽게 소비될 수도 있다. 이런 장벽 또는 매력 때문에 우리는 가끔 백화점보다는 미술관에 가고 싶어지는 것이 아닐까.
Tobias Rehberger
Killing Wife-Sleeping Room Cabinet, 2004 MDF, acryl, wooden panel, television, DVD-player, DVD 190 × 188 × 55 cm 독일 작가 토비아스 레베르거(Tobias Rehberger, b. 1966)는 조각가로 활동을 시작한 후 예술의 역할과 경계를 탐구하며 미술, 디자인, 설치, 건축 등 여러 영역을 가로지르고 아우르는 다방면적이고 다채로운 작업을 하고 있다. 개념미술에 기반을 둔 예측불허의 감각적인 디자인으로 잘 알려진 그는 2009년 베니스비엔날레에서 카페 공간 디자인으로 황금사자상을 수상하기도 했다. 레베르거 작업의 현란한 패턴과 화려한 색상 속에는 항상 진지한 방식과 시적인 내용이 담겨져 있는데, 이 특징은 Sleeping Room Cabinet 연작에서도 잘 드러난다. 그가 디자인한 컬러풀한 옷장 안에는 각기 디빅스 플레이어가 넣어져 있고 ‘헤어짐’을 주제로 한 영화들이 재생되고 있다. 우리는 이 영화들의 영상을 볼 수도 소리를 들을 수도 없고, 옷장 문틈 사이로 미세하게 삐져나오는 ‘빛’만 볼 수 있을 뿐이다. 너무 쉽게 읽혀버리는 것들은 쉽게 소비될 수도 있다. 이런 장벽 또는 매력 때문에 우리는 가끔 백화점보다는 미술관에 가고 싶어지는 것이 아닐까.
Do Ho Suh
Blue Green Bridge, 2000 plastic figures, steel structure, polycarbonate sheets 61 × 129.5 × 1137.9 cm Installation view at Art Sonje Center, Seoul, Do-Ho Suh, 2003
© Do Ho Suh 한국 출신 작가 서도호(Do-Ho Suh, b. 1962)는 자신이 살던 집을 천으로 재현해 ‘어디든 가져갈 수 있는 집’을 만들거나 수십만 개 플라스틱 인형이 떠받들고 있는 유리발판을 만들어 사람들이 밟고 지나가게 하는 등, 색다른 재료와 규모(scale)를 활용한 설치 작업을 통해 공간과 정체성, 개인과 집단, 이동과 전치(displacement) 같은 주제를 재치 있게 다루어 왔다. 그가 “transitional space(전환적 공간)”이라 부르는 출입구나 복도 같은 공간을 탐구하는 작업에 속하는 청록교(Blue Green Bridge)와 도어매트: 웰컴(Doormat: Welcome)은 모두 바닥에 수평으로 놓이는데, 윗면은 작은 인형들로 빽빽이 덮여 있어서 다리나 도어매트로는 기능할 수 없다. 도어매트: 웰컴은 얼핏 우리가 시중에서 쉽게 찾아볼 수 있는 도어매트 같이 생겼지만 (조각품을 놓는) 좌대 위에 올려져 있어서 ‘작품’으로서의 정체를 더 강하게 대놓고 드러내는, 이름만 무늬만 “도어매트”인 작품이다. 11미터 길이의 청록교는 다리처럼 또 파도처럼 보이기도 하고, 공간을 잇는 듯 가르는 듯 보이기도 한다. 파란색에서 초록색에 이르는 인형들의 색조 그리고 곡선을 그리는 형태 때문에 이 작품은 하나의 큰 물결, 무수한 인력이 만들어내는 ‘파동’이나 ‘전환’을 연상시킨다.
Do Ho Suh
Doormat: Welcome, 2000 Polyurethane rubber 30 × 254 × 127 cm Installation view at Art Sonje Center, Seoul, Do-Ho Suh, 2003
© Do Ho Suh 한국 출신 작가 서도호(Do-Ho Suh, b. 1962)는 자신이 살던 집을 천으로 재현해 ‘어디든 가져갈 수 있는 집’을 만들거나 수십만 개 플라스틱 인형이 떠받들고 있는 유리발판을 만들어 사람들이 밟고 지나가게 하는 등, 색다른 재료와 규모(scale)를 활용한 설치 작업을 통해 공간과 정체성, 개인과 집단, 이동과 전치(displacement) 같은 주제를 재치 있게 다루어 왔다. 그가 “transitional space(전환적 공간)”이라 부르는 출입구나 복도 같은 공간을 탐구하는 작업에 속하는 청록교(Blue Green Bridge)와 도어매트: 웰컴(Doormat: Welcome)은 모두 바닥에 수평으로 놓이는데, 윗면은 작은 인형들로 빽빽이 덮여 있어서 다리나 도어매트로는 기능할 수 없다. 도어매트: 웰컴은 얼핏 우리가 시중에서 쉽게 찾아볼 수 있는 도어매트 같이 생겼지만 (조각품을 놓는) 좌대 위에 올려져 있어서 ‘작품’으로서의 정체를 더 강하게 대놓고 드러내는, 이름만 무늬만 “도어매트”인 작품이다. 11미터 길이의 청록교는 다리처럼 또 파도처럼 보이기도 하고, 공간을 잇는 듯 가르는 듯 보이기도 한다. 파란색에서 초록색에 이르는 인형들의 색조 그리고 곡선을 그리는 형태 때문에 이 작품은 하나의 큰 물결, 무수한 인력이 만들어내는 ‘파동’이나 ‘전환’을 연상시킨다.